EL VOLUMEN EN EL ARTE: forma, cuerpo, espacio y profundidad
Una figura puede estar pintada sobre una superficie completamente plana y, sin embargo, parecer que tiene cuerpo, peso y profundidad. Un rostro puede adquirir redondez, una mano puede parecer adelantarse hacia el espectador y una figura humana puede transmitir la sensación de ocupar un lugar real.
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| Leonardo da Vinci, Mona Lisa, c. 1503–1519. Museo del Louvre, París. Las transiciones graduales entre luces y sombras contribuyen a modelar el rostro y crear una sensación de volumen. |
En el arte, el volumen es la cualidad que permite percibir una forma como un cuerpo que posee altura, ancho y profundidad. En una pintura o un dibujo, ese volumen no existe físicamente: debe ser construido visualmente mediante distintos recursos.
La luz, la sombra, el color, la perspectiva, el modelado y la relación entre las formas permiten que una superficie plana parezca contener cuerpos y objetos tridimensionales.
Cuando una superficie parece tener cuerpo
El volumen aparece cuando dejamos de percibir una forma como una superficie plana y comenzamos a reconocerla como un cuerpo.
Un círculo puede permanecer como una figura bidimensional. Pero si el artista introduce gradaciones de luz y sombra, ese círculo puede convertirse visualmente en una esfera. Un rectángulo puede transformarse en la representación de un cubo. Una silueta puede adquirir profundidad cuando se incorporan diferentes planos y relaciones espaciales.
Por eso, volumen y tamaño no son lo mismo.
Una figura puede ocupar mucho espacio dentro de una pintura y parecer completamente plana. Otra, mucho más pequeña, puede transmitir una poderosa sensación de cuerpo.
El volumen tiene que ver con nuestra percepción de la tridimensionalidad.
De la línea al cuerpo
Una línea puede definir el contorno de una figura, pero el contorno por sí solo no siempre consigue transmitir su espesor.
Cuando el artista introduce variaciones de luz y sombra, la superficie comienza a adquirir relieve visual.
Una zona iluminada parece orientarse hacia la fuente de luz. Una zona oscura puede indicar que la superficie gira y se aleja de ella. Entre ambas aparecen gradaciones intermedias que permiten que el ojo reconstruya mentalmente la forma.
Así, una superficie plana comienza a parecer curva.
El volumen representado es, en cierta medida, una construcción visual: sabemos que el papel o el lienzo son planos, pero las relaciones entre las formas hacen que percibamos cuerpos dentro de ellos.
El claroscuro: la luz que construye el volumen
Uno de los recursos fundamentales para representar volumen es el claroscuro, es decir, la organización de zonas iluminadas y oscuras que permite modelar las formas.
Imaginemos una esfera completamente blanca. Si la observamos sin variaciones de tono, veremos esencialmente un círculo. Pero si una zona recibe luz, otra queda en penumbra y aparece una sombra más profunda en el lado opuesto, comenzamos a percibir una superficie curva.
El artista no necesita pintar literalmente la profundidad: consigue que el ojo la reconstruya.
El claroscuro alcanzó una enorme importancia en la pintura europea y fue utilizado de maneras diferentes durante el Renacimiento y el Barroco.
Leonardo: el volumen que aparece lentamente
Leonardo da Vinci llevó el modelado de las formas hacia una particular sutileza.
Su utilización del sfumato permitió suavizar las transiciones entre luces y sombras y evitar contornos excesivamente rígidos. Las formas parecen emerger gradualmente de la atmósfera.
Esto resulta especialmente evidente en sus rostros.
La nariz, los pómulos, los labios y los ojos no aparecen necesariamente definidos por líneas duras. Pequeñas variaciones tonales permiten que el rostro adquiera redondez.
El volumen no se impone: se construye lentamente ante la mirada.
La Mona Lisa es un ejemplo extraordinario de este procedimiento.
La transición entre las distintas zonas del rostro es tan gradual que resulta difícil señalar exactamente dónde termina la luz y comienza la sombra. Esa indefinición contribuye a que la figura parezca integrada en el aire que la rodea.
La luz también puede definir los objetos
El volumen no pertenece solamente a la figura humana.
Los objetos cotidianos también pueden adquirir presencia mediante la iluminación.
Una jarra, una fruta, un vaso o una mesa pueden parecer sólidos cuando el artista organiza correctamente sus luces, sombras y planos.
La pintura de bodegón convirtió este problema en uno de sus grandes campos de experimentación.
Caravaggio, Canestra di frutta, c. 1597–1600, óleo sobre lienzo. Pinacoteca Ambrosiana, Milán. Las variaciones de luz, sombra, color y textura permiten percibir cada fruta como un objeto tridimensional.
Cada fruta posee una forma diferente, pero todas adquieren volumen mediante un principio semejante: la luz revela unas superficies y deja otras en sombra.
La pintura demuestra que el volumen también puede construirse a partir de pequeñas diferencias tonales.
Tiziano: cuando el color también construye el volumen
El volumen tampoco depende exclusivamente del blanco, el negro y los grises.
El color puede colaborar activamente en la construcción de los cuerpos.
En la pintura veneciana, Tiziano desarrolló una utilización del color capaz de modelar las figuras y diferenciar pieles, telas y superficies.
Tiziano, Venus de Urbino, 1538, óleo sobre lienzo. Galería de los Uffizi, Florencia. La figura se modela mediante relaciones entre luz, sombra, color y superficie.
En esta obra, el cuerpo no aparece simplemente delimitado por un contorno. Las variaciones tonales y cromáticas permiten percibir la redondez y materialidad de la piel.
Esto demuestra que el volumen no está separado del color.
Una modificación de tono, temperatura o intensidad puede alterar la manera en que percibimos una superficie.
Caravaggio: el volumen mediante el contraste
El Barroco llevó el contraste entre luz y oscuridad a una intensidad extraordinaria.
Caravaggio utilizó fondos oscuros y haces de luz concentrada para hacer emerger las figuras.
El volumen se vuelve entonces dramático: determinados cuerpos parecen salir de la oscuridad y acercarse al espectador.
Caravaggio, La vocación de San Mateo, 1599–1600, óleo sobre lienzo. Capilla Contarelli, iglesia de San Luigi dei Francesi, Roma. El contraste entre luz y oscuridad refuerza la presencia física de las figuras y organiza la profundidad de la escena.
Aquí el volumen no solamente sirve para hacer reconocibles los cuerpos.
También contribuye a crear dramatismo, profundidad y dirección de la mirada.
La luz selecciona determinadas partes de la escena y deja otras en penumbra. El espectador recibe primero las formas iluminadas y después reconstruye el resto.
El volumen y la perspectiva
La luz no es el único recurso.
La perspectiva permite sugerir que una forma se extiende hacia el espacio.
Una mesa vista en perspectiva deja de ser un simple rectángulo. Una habitación puede prolongarse detrás de las figuras. Un cuerpo puede mostrar diferentes planos según su posición.
Volumen y perspectiva están relacionados, aunque no sean exactamente lo mismo.
La perspectiva organiza las relaciones espaciales; el volumen hace que los objetos parezcan tener cuerpo.
Cuando ambos recursos funcionan juntos, una superficie plana puede convertirse visualmente en un espacio profundo.
La figura humana como construcción de volúmenes
La representación del cuerpo humano ha sido uno de los grandes campos de experimentación del volumen.
El artista necesita comprender que el cuerpo no es solamente una silueta. Está formado por masas, articulaciones y superficies que cambian de dirección.
Por eso, el dibujo, la anatomía y la pintura han estado históricamente muy relacionados.
Una cabeza puede entenderse como una estructura de planos. Un brazo puede aproximarse a un cilindro. El torso puede organizarse mediante grandes masas. Las manos y los pies pueden estudiarse como conjuntos de pequeños volúmenes.
Esta forma de pensar permite construir una figura incluso antes de entrar en los detalles.
Miguel Ángel: el cuerpo como arquitectura
Aunque Miguel Ángel es célebre también por su escultura, su pintura ofrece algunos de los ejemplos más extraordinarios de construcción volumétrica de la figura humana.
En los frescos de la Capilla Sixtina, los cuerpos adquieren una poderosa presencia gracias a la organización de músculos, torsiones, luces y sombras.
Las figuras parecen ocupar un espacio que excede la superficie del muro.
Miguel Ángel, La creación de Adán, 1508–1512, fresco. Bóveda de la Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano. La anatomía, el escorzo, la luz y la organización de los planos construyen una intensa sensación de volumen corporal.
Los cuerpos de Miguel Ángel parecen construidos casi como arquitecturas.
Los músculos, articulaciones y torsiones no son simples detalles anatómicos: ayudan a definir el volumen y a expresar energía.
El cuerpo se convierte así en una estructura tridimensional representada sobre una superficie plana.
El escorzo: cuando el cuerpo avanza hacia nosotros
Uno de los recursos más complejos para representar volumen es el escorzo.
Se produce cuando una figura u objeto aparece orientado hacia el espectador de manera que sus dimensiones parecen comprimirse visualmente.
Un brazo extendido hacia nosotros puede parecer mucho más corto de lo que sería visto lateralmente. Una pierna que avanza hacia el primer plano puede adquirir una apariencia diferente de la que tendría en una posición frontal.
El escorzo obliga al artista a comprender el cuerpo como un objeto situado dentro del espacio.
Por eso está estrechamente relacionado con la perspectiva.
El volumen también puede construirse con pinceladas
No todos los artistas modelan las formas mediante transiciones suaves.
La pincelada también puede contribuir a construir volumen.
Una pincelada puede seguir la dirección de una superficie, marcar una curva o indicar un cambio de plano.
En algunas pinturas, el volumen parece surgir de una acumulación de pinceladas visibles más que de un modelado completamente liso.
Esto resulta especialmente importante cuando el artista busca conservar la presencia física de la pintura y no solamente crear una ilusión de realidad.
El volumen puede ser entonces simultáneamente representado y pintado.
Cézanne: volumen mediante planos de color
Paul Cézanne transformó profundamente la relación entre forma y color.
En sus bodegones y paisajes, las formas no siempre se construyen mediante un claroscuro tradicional. Diferentes planos de color se relacionan entre sí y permiten percibir objetos, superficies y cuerpos.
Paul Cézanne, Naturaleza muerta con manzanas, finales del siglo XIX, óleo sobre lienzo. Las variaciones de color y las relaciones entre planos construyen el volumen de las frutas y los objetos.
En Cézanne, el volumen ya no depende necesariamente de una transición continua entre luz y sombra.
Los colores pueden organizarse como planos que construyen la forma.
Esta transformación será fundamental para buena parte de la pintura moderna.
El volumen no siempre tiene que parecer real
A partir de las experiencias de Cézanne y de otros artistas modernos, la pintura comenzó a cuestionar cada vez más la obligación de imitar la apariencia visual del mundo.
Una forma podía simplificarse.
Un cuerpo podía deformarse.
Un objeto podía representarse mediante planos.
El volumen podía sugerirse sin reproducir exactamente su apariencia.
Esto demuestra que representar volumen no significa necesariamente hacer una pintura realista.
El artista puede utilizarlo de manera expresiva, constructiva o simbólica.
Cuando el volumen se convierte en expresión
El volumen puede transmitir diferentes sensaciones.
Una figura monumental puede sugerir poder.
Un cuerpo comprimido puede transmitir fragilidad.
Una forma muy redondeada puede producir sensación de suavidad.
Una figura angular puede parecer rígida o tensa.
Un cuerpo profundamente iluminado puede adquirir una presencia dramática.
Por eso, el volumen no es solamente una herramienta técnica.
Es también un recurso expresivo.
La manera en que un artista construye los cuerpos y los objetos modifica nuestra percepción de aquello que representa.
Cómo observar el volumen en una pintura
Al observar una obra podemos preguntarnos:
¿Las figuras parecen planas o tienen profundidad?
¿Dónde está la fuente de luz?
¿Cómo se distribuyen las zonas iluminadas y oscuras?
¿Hay gradaciones que indiquen superficies curvas?
¿La perspectiva contribuye a construir profundidad?
¿El color ayuda a diferenciar planos?
¿La pincelada sigue la dirección de las formas?
¿Las figuras parecen pesadas o livianas?
¿El artista busca representar el volumen de manera realista o transformarlo?
Estas preguntas permiten pasar de una observación puramente descriptiva a una lectura visual de la obra.
El volumen como experiencia de la forma
Comprender el volumen permite mirar de otra manera una pintura o un dibujo.
Ya no vemos solamente una figura delimitada por una línea o una superficie cubierta de color.
Comenzamos a percibir cómo el artista construye la sensación de un cuerpo que ocupa un lugar.
La luz puede hacerlo emerger.
La sombra puede darle profundidad.
El color puede modelarlo.
La perspectiva puede situarlo.
La pincelada puede acompañar su forma.
Y el contraste puede darle presencia.
El volumen es, en definitiva, uno de los recursos mediante los cuales el arte consigue que una forma deje de parecer una imagen plana y comience a sentirse como un cuerpo dentro del mundo.
Para seguir explorando
El volumen se relaciona directamente con varios conceptos de la serie ¿Qué es el arte?
La luz en pintura
El color en la pintura
La composición en la pintura
La perspectiva en pintura
La pincelada en pintura
La textura en el arte
La línea en el arte
Fuentes consultadas
Museo del Louvre, colección de Leonardo da Vinci.
Pinacoteca Ambrosiana, Milán, colección de Caravaggio.
Galería de los Uffizi, Florencia, colección de Tiziano.
Museos Vaticanos, Capilla Sixtina y obra pictórica de Miguel Ángel.
Philadelphia Museum of Art, colección de Paul Cézanne.
The Metropolitan Museum of Art, recursos sobre claroscuro, perspectiva y representación de la forma.
Museum of Modern Art (MoMA), recursos sobre los elementos y principios visuales del arte.