EL ARTE: CONCEPTOS Y TÉCNICAS



Qué es el arte?


El arte es la utilización de determinados recursos para expresar y describir los sentimientos, emociones, ideas.
Los recursos son: las artes plásticas (como la pintura o la arquitectura); los sonoros (como el canto y la música) y la escritura (como la poesía o la narrativa). 
Estos recursos son empleados mediante técnicas. El dominio de esas técnica requiere su conocimiento y estudio. De acuerdo al talento, a la capacidad de realizar un tipo de actividad, mejor serán usadas esas técnicas y mejores los resultados en cuanto a la expresión y descripción que se pretende. 
El arte involucra al espectador. El espectador es parte del arte en cuanto, frente a él, experimenta sentimientos, emociones, ideas, juzga.
El arte siempre implica una valoración estética (fundamentada y "docta" o espontánea y "vulgar"). Y puede implicar una valoración ética.
El arte es creación.
Don Pedro pintó el techo de su casa con un rodillo y lo dejó por completo blanco. Miguel Ángel pintó el techo de la Capilla Sixtina y dejó el "Génesis".
Don Pedro y Miguel Ángel pintan y ambos usan una técnica determinada. Pero hay una diferencia entre lo que uno y otro hace.
La diferencia se llama arte.




¿Qué son las artes plásticas?


Las artes pláticas son aquellas actividades creativas en las que se emplean materiales moldeables, "plásticos".
Con estos materiales se busca crear una obra única que tenga sentido artístico. Implican la expresión de ideas y sentimientos, la representación de lo real o lo imaginado, con medios que comprometen la vista y el tacto.
Las artes plásticas tradicionales son: la pintura, el dibujo, la arquitectura y la escultura.
En el concepto moderno, ampliado, de las artes plásticas se incorporan otros medios, como el grabado, el vitral, la fotografía o la cerámica.



¿Qué es una obra de arte?

Una obra de arte es una creación que se realiza dentro del campo del arte. Con el concepto tradicional de arte como constituido por las artes plásticas, la literatura y la música, una obra de arte es resultado de un trabajo dentro de alguna de estas formas de expresión.
La obra de arte la hace un artista. Esto significa que él plasma sus sentimientos, emociones, ideas, en lo que realiza. El grado de calidad con que lo hace depende de su talento. La valoración de la obra de arte se cumple en base a criterios estéticos que son variables en el tiempo.
Con el concepto ampliado de arte en los tiempos modernos, dentro del cual se incorporan otras formas de expresión, como el cine o la fotografía, las obras producidas en estas actividades también son arte.
Una obra maestra es aquella que perdura a través del tiempo provocando parecidos sentimientos en los espectadores de diferentes tipos de sociedades. Produce esto porque representa mejor que otras obras las ideas, emociones, sentimientos, ideales y creencias. La obra maestra, de algún modo, es la representación de los arquetipos, conscientes o inconscientes, de la humanidad.






¿Qué es la cámara oscura?


La cámara oscura en el invento que antecede a la cámara fotográfica. En un principio, es un cuarto cerrado con una única fuente de luz: un orificio en la pared, por donde entran los rayos luminosos reflejando objetos exteriores sobre la pared opuesta. Posteriormente, se hacen mejoras y se transforma en un instrumento portátil, con el mismo sistema de entrada y salida, y la incorporación de lentes.

durero: la cámara de retratar, 1535

El oftalmólogo árabe Alhacen, un poco antes del año 1000, escribe un tratado contradiciendo teorías griegas. Estas teorías afirman que el ojo emite rayos lumínicos sobre los objetos. Alhacen propone lo contrario: son los objetos los que emiten los rayos lumínicos y el ojo los capta. Él establece los principios de la cámara oscura y, seguramente, dispone de una.
En la segunda mitad del siglo XV,  Leonardo da Vinci, emplea una. El pintor se mete en el cuarto y remarca las líneas que se proyectan invertidas sobre un papel puesto justo delante del orificio por el que entra la luz. 
La cámara es posible de colocar en medio del campo y es bastante utilizada por los estudiosos de la naturaleza.
Durero y Leonardo la emplean pero es lo suficientemente incómoda como para ser una técnica usual. Es probable que Canaletto la use en forma más habitual. De él se ha encontrado una cámara con su nombre grabado.

kicher: cámara oscura portátil, 1646

De todas formas, las imágenes que se proyectan con este tipo de cámaras son difusas y solo pueden permitir remarcar las líneas reflejadas. El procedimiento posterior es el habitual en cualquier otro cuadro de la época y en nada se asemeja al método hiperrealista. 




¿Qué es Ukiyo-e?


Ukiyo-e, es una técnica de dibujo y grabado japonés. El término significa "pinturas del mundo flotante". Se conoce el género como estampas japonesas. El grabado se hace en xilografía o impresos sobre madera. Se extendió, en Japón, desde el siglo XVII al XX.
La forma de realizar el trabajo es de esta manera:
El artista realiza un dibujo en tinta.
El dibujo se pega, boca abajo, sobre una tabla. Se sacan las partes blancas. El dibujo (que está al revés) se destruye durante el procedimiento pero dejando una impresión en relieve sobre la madera.
Esta figura que ha quedado en la madera es entintada y con ella se imprimen muchas copias que son parecidas al original.
Las impresiones que resultan son pegadas boca abajo en planchas y se deja en relieve las partes que van a ser pintadas de un color determinado.
El conjunto de planchas de madera son pintadas de diversos colores y se imprimen sobre papel en forma de secuencia. 
La impresión final es el resultado de cada una de las planchas volcadas en esa definitiva impresión. La intensidad del color se logra imprimiendo varias veces la misma plancha, con el color que se quiere intensificar. 








¿Todo es arte?


Si se juega un partido de fútbol, hay reglas que caracterizan al fútbol y lo diferencian del rugby. Si se trata de una carrera de caballos, hay reglas que la caracterizan y la diferencian de una carrera de natación. Lo mismo pasa con el arte. Hay reglas que lo diferencian. En el caso de las artes plásticas, el artista sigue determinadas reglas, que pueden variar, y de hecho lo hacen, con el tiempo. Alguien suelta globos y dice que es una escultura dinámica. Alguien tira un baldazo de pintura sobre un lienzo y dice que se trata de una técnica que renueva el arte. Siguiendo el criterio del escultor que suelta los globos y del pintor que tira el baldazo, puede hacerse una exposición en una cancha de fútbol. Los jugadores, árbitros y público conforman una escultura viviente y puede denominarse sporting-art. También puede arrojarse pintura con aerosol sobre un perro y hablar de la can-painting. Es decir, el arte significa creación y expresión dentro de ciertas reglas que lo distinguen. Del mismo modo en que el fútbol implica un juego con una pelota. Si no hay pelota y se juega con un tronco de árbol, no es fútbol (foot-pie; ball, pelota).
La desesperación por obtener fama y dinero han permitido que artistas, críticos y público prediquen que es arte a lo que es equivalente a fútbol jugado con un tronco de árbol. 




¿Qué es la luz en pintura?


La luz en pintura es la representación por medio de los colores de la luz real y la forma en que ilumina los personajes, los objetos, los paisajes. Toda representación de la luz implica el estudio detallado de cómo produce zonas iluminadas y otras ensombrecidas; unas y otras en mayor o menor grado. 
La luz puede ser artificial (proviene de una vela o una lámpara eléctrica) o natural (nace del sol o la luna). En el cuadro se mostrará cómo una y otra producen efectos diferentes sobre lo que iluminan.




El cuadro de Grinshaw se ve una calle iluminada por la luz de la luna. Hay luces en las ventanas de derecha e izquierda pero no tienen la potencia necesaria para iluminar sino en forma débil lo que está afuera. La luz central es la de la luna que se proyecta creando zonas iluminadas y otras que se ven ensombrecidas. Para conseguir ese efecto recurre a una determinada gama de colores. Otra gama de colores es empleada por Monet para describir los efectos de la luz solar sobre el cuerpo de Camille Monet y su hijo. En el cuadro, puede verse cómo la sombrilla produce sombra sobre el cuerpo y el piso; a su vez, el cuerpo, también la produce. Ambas sombras interrumpen la luz que se refleja con fuerza sobre la hierba y las flores. Mientras, el sombrero del niño está iluminado a pleno; y las nubes y el cielo se ven muy claros.




La luz artificial necesita ser pintada de otra forma ya que provoca grandes contrastes de luces y sombras. Como en una de las versiones de "María penitente", pintado por de La Tour, en el que la única luz proviene de una vela. Es esta una forma exagerada de presentar los contrastes, los claroscuros. Por lo general, los contrastes son más sutiles y, en la captación de esos sutiles matices se evidencia el talento del artista.


Hay diferentes formas de considerar la luz y distintas maneras de representarla. A lo largo de la historia del arte, se la ha pintado de diferentes maneras, según cada estilo. No es igual la luz en El Bosco que en El Greco o en este que en Degas. 
La luz es uno de los elementos decisivos del cuadro; su estudio por parte de los pintores es esencial en la calidad de sus obras y una, entre otras, de las maneras de diferenciar los niveles de talento que existen entre unos y otros artistas. 


¿Qué es mische?

Es una técnica para realizar pinturas. Tiene su origen en la época medieval. Pintores modernos, como Fuchs, la reactualizaron. 
Explicada en forma breve: consiste en colocar un dibujo hecho con tinta china sobre un panel muy lijado formado por varias capas de yeso. Sobre este se aplica color rojo brillante (con preferencia, para dar calidez). Luego, se trabaja con temple al huevo mezclado con acuarela y óleo. Esta mezcla da un color brillante. Una vez que la obra está terminada, se debe esperar un tiempo prolongado para darle una capa última de barniz. 



¿Qué son las técnicas en pintura?

La técnica es un procedimiento empleado para lograr una finalidad. En pintura, las técnicas que se emplean varían de acuerdo a los materiales que se usan.
Estos materiales son:

óleo
Óleos: se forman mezclando polvo de color muy fino con aceite. El óleo permite pintar sobre diferentes superficies, como tela o madera, y es una de las técnicas más usadas por los pintores.

pastel
Pastel: Es una técnica muy antigua. Permite pintar con rapidez. Esto es porque el pastel es una pintura en seco. El pastel de buena calidad viene en barras de pigmento puro y cola. Las de menos calidad, incluyen yeso. El pastel produce colores muy luminosos y grandes contrastes. Es una de las técnicas que permite a los pintores mayor facilidad para crear luz y sombra.

temple
Temple: Es típica del medioevo pero ha sido empleada nuevamente por algunos pintores en épocas más recientes. Consiste en mezclar polvo de color muy fino con agua destilada y yema de huevo.

acuarela
Acuarela: Son pigmentos en estado sólido que se disuelven en agua. El efecto que producen es el de una mayor transparencia y luminosidad que los óleos, por ejemplo.

gouache
El gouache: Se lo suele confundir con la acuarela. Es más pastoso y menos brillante; la luminosidad y los tonos claros se logran con el color blanco.

témpera
Témpera: Muy parecidas a las acuarelas. La diferencia es que las temperas son pigmentos aglutinados con cola. Esto provoca una textura (la sensación que produce la tela pintada) parecida a los óleos.

acrílico
Acrílico: Es un material sintético que se diluye en agua. Suele usarse mezclado al óleo.



¿Qué es el esfumato?

El esfumato es una técnica de la pintura inventada por Leonardo da Vinci. Se trata de un efecto que se consigue aplicando varias capas de pintura superpuestas. De este modo, se busca dar al cuadro un efecto de contornos imprecisos, de lejanía. Y, también, dar una mayor sensación de profundidad. A la vez, los tonos se hacen más oscuros. 
La obras de Leonardo "La Gioconda" y "San Juan Bautista" han sido pintadas de esta manera.


¿Qué es horror vacui?

El horror al vacío (horror vacui-miedo al vacío) es, en pintura, el relleno de todos los espacios de una pintura colocando cualquier tipo de ornamentación o figura. No hay un hueco libre, todo está cuidadosamente cubierto. El pintor no deja ningún espacio sin pintar, sin poner algún detalle, como si dijera: "En aquel ángulo que está sin nada voy a poner un angelito". Y poner ese angelito no es necesario más que para satisfacer la necesidad del pintor de ver todo lleno. El rococó (como en Watteau) es un período característico de artistas que pintan de este modo, tanto como en el barroco. Pero tiene importantes antecedentes en el arte bizantino y en el islámico, entre otros. Aún en el arte contemporáneo se encuentra en algunas obras.


¿Qué es el collage?

El collage es una de las técnicas del arte. Se trata de colocar diferentes elementos (fotos, boletos de trenes, recortes de diarios, etc.) ensamblándolos con el objetivo de realizar con todos ellos una sola unidad. Por ejemplo: la representación de un árbol.
Suele decirse que Pablo Picasso ha sido el inventor. Picasso, a fines del siglo XIX, pegó fotos sobre algunas pinturas. Pero el que realiza la primera obra en collage es George Bracque cuando, de forma sistematica, incorpora papel de color a varias pinturas, como "Teté de mujeres". Meses después, Picasso, al reencontrarse con su amigo Bracque, se entusiasma con la técnica. Hace "Naturaleza muerta con silla de rejilla" , que se considera (quizá erróneamente y, como es habitual, restando méritos a Bracque y dándoselos a Picasso) la primera obra en collage. Los dos juntos realizan varios trabajos con esta técnica, empleando distintos materiales. Posteriormente, han sido incontables los artistas que incorporaron la técnica, incluso en otros artes. Collage proviene del francés collier: pegar.


¿Qué es "encáustica"?

La encáustica es una técnica de la pintura. Es una mezcla en la que se usa la cera como aglutinante de los pigmentos. El producto que resulta es denso y cremoso. La pintura se coloca con pincel o con espátula caliente. Puesta la pintura, se coloca una capa de cera caliente (no con el efecto de la cera que se mezcla con la pintura para obrar como aglutinante; en este caso, la cera sirve como protección). Sobre esta cera se pasa un trapo y se realiza el pulido. Es una técnica que ha sido usada en la antigüedad. En la actualidad, algunos artistas realizan trabajos en encáustica pero con recetas diferentes a la tradicional; en estos casos, se sustituye la cera por la cera refinada de abeja, la parafina u otros derivados del petróleo.